Trob'Art - Trobades amb l'Art Contemporani

John Cage al MACBA

2009-12-09T07:48:00.001+01:00

Actualmente se puede visitar en el MACBA una exposición dedicada al compositor norteamericano John Cage (1912-1992). Es considerado una de las más importantes figuras de la música del siglo XX y seguramente se trata del más experimental de todos ellos. Sus obras destacan en otros aspectos por la introducción de sonidos extra-musicales, el uso del azar en sus composiciones o la importancia del silencio como elemento musical.

La exposición que puede verse en el MACBA es realmente interesante y en mi opinión está bastante bien montada. A pesar de tratarse de una figura bastante conocida para los seguidores de las vanguardias del siglo XX, la exposición permite profundizar en su figura y conocer su importancia más allá de su faceta puramente musical. A destacar, como comienza a ser bastante común en buena parte de las nuevas exposiciones organizadas en el MACBA (quizás se deba a la nueva dirección), la posibilidad de poder profundizar sobre lo que se está visitando con textos accesorios colocados en las salas y que permiten comprender mucho mejor las obras expuestas. En muchos casos si no fuera por estos textos sería muy complicado comprender muchas de las obras presentes en la exposición.

Como elementos destacables de esta exposición cabe destacar la presencia de gran número de partituras del autor. Son especialmente interesantes ya que muchas obras creadas por el autor no podían ser escritas utilizando el clásico papel pautado habitual. En muchos casos junto a estas partituras puede escucharse, en algunos casos verse, con la ayuda de unos cascos la interpretación de la obra mostrada. Otro objeto interesante es la presencia de un piano “preparado” según las indicaciones de Cage. Un piano “preparado” consiste un piano en el que se han introducido elementos extraños (p.ej clavos) entre las cuerdas de modo que se generan sonidos extraños cuando se acciona la tecla correspondiente. Es una de las contribuciones más conocidas de Cage y permite lograr uno de sus objetivos como es la de no corresponder a las expectativas del público.

También se repasa la relación con otros artistas de otros campos, como puede ser la danza o las artes plásticas, permitiendo ver como influenció sobre estos. Es importante resaltar la influencia que ejerció sobre la danza contemporánea. La exposición se cierra con dos instalaciones muy impactantes donde mezcla música, imagen y vídeo, convirtiéndose en uno de los pioneros de aunar diferentes disciplinas. Especialmente impactante es la obra HPSCHD en la que a través de diferentes altavoces se pueden escuchar varias obras de autores conocidos simultáneamente pero interpretadas en un orden diferentes al que indica la partitura. Todo esto combinado con imágenes y videos de la NASA.

Un aspecto que para mí no queda muy claro en la exposición son las influencias que ha ejercido la obra de Cage en las últimas décadas sobre otros compositores. Aunque las influencias son muchas, a penas se mencionan en unos casos poco significativos en la música vanguardia y la exposición se limita a mostrar la relación que ejerció sobre FLUXUS.

Israel Muñoz

Música contemporània: Hypermusic Prologue al Liceu

2009-12-01T09:35:00.004+01:00

Héctor Parra: "En Hypermusic Prologue todo es riesgo"
El compositor estrena este fin de semana en el Liceo su última ópera, en la que las posibilidades expresivas están "llevadas al límite"

El compositor Héctor Parra (Barcelona, 1976) se adentra hoy y mañana en la quinta dimensión del Teatro del Liceo con su última ópera, Hypermusic Prologue. Para el libreto ha contado con la científica norteamericana Lisa Randall, que se ha basado en Warped Passages, su best-seller divulgativo sobre la Teoría de Cuerdas.

Tras su exitoso estreno el pasado mes de junio en el Centro Pompidou, Parra aspira a generar en el público español el mismo "escalofrío de hiperrealidad" que produjo en los parisinos.

PREGUNTA.- La ópera se estrenó en el Pompidou parisino. ¿Cuánto tiene, en ese sentido, su ópera de arte experimental?

RESPUESTA.- Todo lo que no tiene de acomodaticio y de seguro. De hecho, creo que todo en esta ópera es puro riesgo. Voces e instrumentos son conducidos al límite de sus posibilidades expresivas y técnicas. La arquitectura sonora global refleja tanto un modelo cosmológico aún por validar, en el CERN de Ginebra, como el propio proceso de creación científica o artística. Toda creación auténtica tiene un mucho de experimento...

P.- Su ejercicio es todo un prontuario de la física moderna. ¿Necesitará prospecto o tiene vocación de público?

R.- Esta ópera no pretende que el público comprenda la teoría física de Lisa Randall, sino que experimente en su propia piel el espacio deformado por esta quinta dimensión científicamente imaginada. Que la viva en tanto que experiencia psicoacústica y catártica de carácter metafórico. Creo que esta es precisamente una de las principales funciones y méritos del arte. Fusión cientificomusical

P.- ¿Y cuál es la traducción musical de esta quinta dimensión de la que habla?

R.- Así como los físicos experimentan con los aceleradores de partículas, la soprano, en esta ópera, experimenta con su propia voz, que es su marco de referencia esencial. En este sentido, una voz hiperdimensional es una voz de desbordante energía y de esencia polifónica. El lenguaje de la quinta dimensión, si así se le puede llamar, está fundamentado en cómo funciona el aparato fonador humano. Una gran riqueza en la articulación sonora de las cuerdas vocales se conjuga con un filtraje permanente del sonido gracias a los fonemas consonánticos, articulados con la lengua y los labios.

+ info, aquí.

La T1 de Ricard Bofill

2009-11-25T00:51:00.003+01:00

Hace unos meses se inauguró la nueva terminal del aeropuerto de Barcelona, conocida como T-1. Obra del conocido arquitecto Ricard Bofill. Se trata de un moderno edificio que destaca principalmente por su gran sencillez y del que cabe destacar la forma de la cubierta inspirada en el perfil de una ala de avión. Otros aspecto destacable es el aprovechamiento de la luz natural, que penetra tanto por los laterales como por la cubierta, haciendo innecesaria la iluminación artificial durante el día en buena parte del edifico. Otro detalle interesante, es la existencia de dos patios internos, al aire libre, en el que tanto los fumadores y los viajeros pueden salir a pasear o a sentarse en los bancos que han sido instalados.

La cubierta en forma de ala

Sin embargo, a pesar de tantos logros el edifico presenta algunas deficiencias que demuestra que muchas veces prima más lo estético que lo práctico, como por desgracia suele ocurrir en estos casos.

En primer lugar habría que destacar la poca calidez que desprende el nuevo edifico. Consecuencia seguramente del gran volumen del edificio y de los colores utilizados, no especialmente cálidos. Otro aspecto criticable del nuevo edifico son las nuevas zonas de embarque. La mayoría de los aviones de la nueva terminal se encuentran estacionados a los dos lados de un gran “pasillo”. Los viajeros que necesitan coger el avión al final de este espacio han de recorrer una gran distancia. El principal problema en esta zona se presenta durante los embarques de los vuelos, ya que la gente se suele colocar delante de la puerta de embarque, obstaculizando los pasajeros que se dirigen hacia otras puertas o que acaban de aterrizar y que se encaminan hacia el exterior.

Los locales comerciales bloqueando la entrada de la luz solar

A pesar de que como ya he comentado se intenta aprovechar de forma importante la luz natural, el corazón de la nueva terminal se encuentra bastante desaprovechado desde este punto de vista, ya que la ubicación de los espacios comerciales supone la obstaculización de la luz natural, haciendo necesaria la utilización de la luz artificial ya que, a pesar de las grandes paredes acristaladas que dan al exterior, reina la oscuridad.

Las grandes paredes acristaladas

Las instalaciones eléctricas, contra incendios, climatización, etc., han sido muy bien integradas estéticamente dentro de la construcción del edificio, ya que no son visibles o están muy disimuladas en la construcción. Sin embargo, es posible que cualquier trabajo de mantenimiento resulte laborioso debido a que muchas instalaciones están integradas en los elementos constructivos. Aunque es posible que exista algún tipo de zona técnica que facilite el acceso a las instalaciones en algunas partes del edificio.

Israel Muñoz

Exposició de Carme Colldecarrera: "Textures de la Terra"

2009-11-17T07:43:00.000+01:00

+ informació, www.carmecolldecarrera.com

L'illa de les flors, 1989 - Jorge Furtado

2009-11-16T23:32:00.002+01:00

Furtado, Jorge (1989) - L'Ile Aux Fleurs
Cargado por lapelea. - Mira más videos de TV y películas.

No us perdeu aquest curtmetratge d'art contemporani. I encara avui estem enviant el mateix missatge, res no ha canviat.

La capacidad de sorprendernos

2009-11-12T09:15:00.004+01:00

En las últimas semanas he podido asistir de forma directa o indirecta a diferentes eventos culturales relacionados con la creación artística de nuestros días. La sensación con la que uno se queda, y que se ve reforzada cada vez más, es que algunas de las disciplinas artísticas poco pueden aportar más en el plano estético.

Es difícil ir a ver una exposición de pintura en la que uno no tenga la sensación de haber visto antes en otro lugar las obras expuestas. No estoy hablando de los típicos cuadros de paisajes de estilo “impresionista” que tanto gustan al público en general. Me estoy refiriendo a cuadros de estética “moderna” en los que no es difícil ver a Pollock, Rothko o Tàpies, por mencionar solamente unos cuantos. No creo que sea el único que veo que en pintura es realmente difícil poder sorprender al espectador que tenga una pequeña idea de la historia de la pintura. Por suerte, el arte no es sólo estética. Quizás en escultura todavía haya cosas que nos puedan asombrar en el plano estético como novedosas. El hecho que la escultura ha hecho siempre uso de materiales nuevos, resultantes del progreso tecnológico, permite que en el plano estético las obras puedan resultar más novedosas. También habría que mencionar que en las posibles formas que pueden crearse en escultura no se hayan explotado todas las posibilidades.

Sin embargo, con la llamada música “culta” contemporánea se repite lo que pasa con la pintura. En el reciente Festival de Alicante en la que se estrenaron numerosas obras de reciente creación y se interpretaron obras de los grandes compositores de la actualidad uno tiene la sensación que estéticamente la música poco puede avanzar más y que comparando la música actual con la de hace 50 años no se pueden percibir diferencias muy grandes en el plano estético, salvo alguna excepción. Sin embargo, si la comparación la hacemos entre 1950 y 1900, como en otras artes, un mundo separa estas dos fechas.

En cambio, es en el arte digital, imagen, instalaciones, etc., donde se pueden dar más posibilidades de innovación estética y donde la sensación de estar delante de algo novedoso en el plano estético es mayor, como ha podido verse recientemente en el VAD (Festival Internacional de Vídeo i Arts Digitals) o en la instalación de Bill Viola en el Bòlit. Uno de los problemas de muchas de estas obras es que en un número importante son dependientes del formato de reproducción. De aquí a unos años podría ser imposible volver a visualizar alguna de estas obras ya que los equipos, programas, etc., que podrían permitir su reproducción podrían no estar disponibles. Mejor no pensar en lo que podría ocurrir de aquí a varios siglos cuando los estudiosos intentarán recuperar las obras creadas en la actualidad y que se hubieran guardado.

Otra forma de percibir el arte de forma novedosa es proponiendo nuevas formas de acercarse a él combinando diferentes disciplinas artísticas. Hace poco leí acerca de una experiencia muy interesante en la que durante un concierto de música contemporánea celebrado en un museo, de arte contemporáneo, el espectador podía pasear libremente por las salas del museo. El resultado de esta experiencia fue que el espectador disfrutó mucho mejor de esta música, que en general no tiene una gran aceptación.

Como siempre en todas las artes hay figuras que destacan por encima de los demás y que son capaces de aportar cosas nuevas cuando parece que es imposible abrir nuevas vías en el plano estético.

Israel Muñoz

Inauguració de l'exposició: Primera Rèplica

2009-11-10T12:17:00.004+01:00

El president de la Diputació de Girona, Enric Vilert i Butchosa, i l’alcaldessa de Roses, Magda Casamitjana i Aguilà, es complauen a convidar-vos a la inauguració de l’exposició:

Primera Rèplica. Arqeologia de la contemporaneïtat
Un projecte a cura d’Eudald Camps i Jordi Mitjà

L’acte tindrà lloc el divendres 13 de novembre, a les 20h, a la sala d’exposicions de la Casa de Cultura de Girona, i el dissabte 14 de novembre, a les 20h, a l’Espai Cultural La Ciutadella de Roses.

Girona i Roses, novembre de 2009.

10 anys de BONART

2009-11-07T08:01:00.006+01:00

El passat 6 de novembre va tenir lloc la Festa del 10è aniversari de la revista BONART a la Fundació Espais i es va inaugurar l'exposició Dactilografies de Joan Fontcoberta.

Sies.tv

Durant la presentació, es va fer pública la notícia que el director de BONART, Ricard Planas, dirigirà la nova etapa de la Fundació Espais d'Art Contemporani. Aquesta fundació, que es va inaugurar el març de 1987, ha arribat a un acord amb Ricard Planas, director de Bonart Cultural, perquè desenvolupi les tasques de gestió artística i econòmica de l’entitat. El president d’Espais, el mecenes i col·leccionista gironí Jordi Vidal i Boris, afirmava: “Amb aquest acord volem obrir una nova etapa dins la fundació que serveixi, sense deixar de banda una programació de qualitat, una major obertura a la societat.”

L’espai ha començat la temporada oficialment amb l’exposició Dactilografies, de Joan Fontcuberta, un dels referents de la fotografia a l’Estat i a Europa. L’autor presenta una sèrie de fotografies inèdites que volen donar a conèixer un xic més el llenguatge dels signes, que utilitzen els sords i els muts. L’estil de les fotografies en blanc i negre rememora les ombres xineses i, per altra banda, també van a raure en els orígens de la fotografia d’avantguarda amb László Moholy-Nagy, un dels integrants de la mítica escola Bauhaus.

De Saturn a Stalin: sobre el terror en l’art modern

2009-11-03T11:18:00.003+01:00

Aquest proper dimecres 4 de novembre a les 19.30 h. tindrà lloc la conferència a càrrec de Jean Clair, historiador de l’art i assagista. Serà una conferència en francès amb traducció simultània al català. Requereix inscripció

La conferència titulada: De Saturn a Stalin: sobre el terror en l'art modern, és pràcticament inèdita al nostre país, i en ella Clair desplegar una part de les seves intuïcions, sempre rotundes, sobre l’estat de la creació contemporània.

“Estem en un moment pèssim per a la cultura. La majoria dels artistes està al servei del seu propi hedonisme”.

“L'art està cada vegada més allunyat de la societat i dels seus interessos. Hi ha una hipocresia egoista en tot el que envolta a la creació contemporània, on l'artista només vetlla pels seus propis interessos»

Jean Clair, (Paris 1940) va ser director del museu Picasso de París durant 16 anys i professor de l’escola d’art del Louvre entre altres. La Butaca Jaume Casademont es celebrarà al Centre Cultural la Mercè de Girona, les places són limitades, es pot realitzar la inscripció anticipada a través de la web de la Fundació http://www.fundaciojaumecasademont.cat/

Entrada lliure amb inscripció anticipada

Organitza: Butaca Jaume Casademont

Mare Nostrum, una pintura de 30 metres quadrats de Josep Niebla

2009-10-30T08:15:00.000+01:00

Josep Niebla és un reconegut pintor afincat al Baix Empordà, va realitzar recentment una pintura mural de 30 metres quadrats titulada “Mare Nostrum” que homenatja el centenari de la Costa Brava. Tota la seva elaboració i creació es va poder viure en directe durant l'Open Catalunya de golf. A la Fundació Josep Niebla fins al 16 de juny es pot visitar una exposició amb el mar com a temàtica

Sies.tv

Dia 30 d'octubre, darrer dia per presentar-se

2009-10-28T21:54:00.002+01:00

Els que tingueu menys de 30 anys i estigueu interessats en presentar-vos a la convocatòria de projectes d'arts visuals, teniu temps fins al proper divendres 30 d'octubre. Més informació, aquí.

Es crea un nou grup d'Art Contemporani

2009-10-27T22:02:00.005+01:00

Ha nascut a Girona un nou grup de gent interessada en el món de l'Art Contemporani:

Trob'Art, Trobades amb l'Art Contemporani

Trob'Art, Trobades amb l'Art Contemporani, ha estat creat l'any 2009 a Girona. És un grup format per persones d'àmbits molt diversos: historiadors d'art, crítics, artistes, aficionats..., amb un objectiu comú: donar a conèixer l'Art Contemporani des de diferents suports i amb diverses estratègies, per tal d'acostar al públic en general aquest art malentès.

Concretament, Trob'Art difón temes relacionats amb el món de l'Art Contemporani; organitza trobades, visites i esdeveniments, ja siguin virtuals o reals; participa en esdeveniments artístics i culturals; i tot allò que considera d'interés per tal que l'Art Contemporani es conegui i es reconegui.

Benvinguts al nostre bloc!

Miroslav Tichý o la intimitat de les imatges

2009-10-25T21:57:00.000+01:00

El recuperat fotògraf Miroslav Tichý, proposa en El País aquesta definició d’art, basada en Schopenhauer “Qué és art? L’art és només una idea“.

Aquí teniu un fragment de l’article de Fietta Jarque (El País-Babelia 28/02/2009):

Soy sólo un observador de personas, pero uno muy bueno”. Respecto al erotismo en sus imágenes, le resta importancia. “Son sólo sueños, fantasías. Cuando hago fotos no pienso en nada”. “¿Qué es arte? El arte es sólo una idea”, dice citando a Schopenhauer, y en otro momento a Platón y su caverna de sombras. No es un idiot savant, ni el suyo es un arte de enajenados como el art brut. Sólo es capaz de crear en estados de lucidez y sabe lo que hace al pisotear las fotos o dejarlas expuestas al mal tiempo, para recuperarlas después y enmarcarlas a su manera. Recluido en su exilio interior, no quiso saber nada de exposiciones en más de treinta años. Ha ido reduciendo su existencia a lo más esencial para la supervivencia. Y, sin embargo, como dijo Szeemann, “la intensidad siempre encuentra su camino. - I aquí l’article sencer.

Fragment extret d'aquí.

El VAD, una visió internacional de la producció en vídeo i arts digitals

2009-10-20T21:32:00.000+02:00

"El cinema i l'audiovisual han estat sempre espais de visionaris"

Sies.tv

El Festival Internacional de Vídeo i Arts Digitals, VAD, arriba a la seva setena edició. Aquest any el festival, que s'allarga fins el proper 25 d'octubre, porta com element principal la selecció de 45 peces sota el lema "Imagina un futur (im)possible". El canadenc Étienne de Massy obté el premi VAD 2009 amb la peça "Somnia3". "Zeitriss" de Quimu Casalprim ha guanyat el guardó de la Fundació Fita.

2a Ruta de l'Art a Castelló d'Empúries

2009-10-12T21:37:00.000+02:00

Aquestes són algunes imatges de la nostra visita a la 2a Ruta de l'Art a Castelló d'Empúries.

Els Obama decoren la Casa Blanca amb un gran ventall de pintures modernes i abstractes

2009-10-11T00:26:00.000+02:00

Nice’, de Nicolas de Stael.

Els Obama no només ens han sorprés en una nova forma de fer en la política mundial, ara revolucionen el món de l'art. A l'hora de decorar les parets de la Casa Blanca han optat per un gran ventall d'obres modernes i abstractes, des de pintures de la dècada dels 50 de Josef Albers o escenes d'indis americans de George Catlin, fins a quadres d'autors més anònims, com Alma Thomas, la expresionista negra per excel•lència del moviment Color Field.

‘Buffalo chase, with accidents’, de George Catlin.

Però no penseu que estan adquirint aquests quadres amb diners públics, es tracta de peces que els han cedit diversos museos i la selecció s'ha centrat únicament en les obres que es troben emmagatzemades o fora del catàleg d'exposicions futures. Així que no tenim opcions de formar part de la seva recol•lecció...

+ informació, aquí.

Què és Trob'Art?

2009-10-10T08:44:00.001+02:00

Benvinguts al nostre bloc!

Reflexions sobre la pintura abstracta

2009-10-07T01:32:00.000+02:00

Expressió complexa 2007 (fragment)

Lo malo de la pintura abstracta es que hay que molestarse en leer el título de los cuadros. (Óscar Pin)

Pintar como los pintores del renacimiento, me llevó unos años, pintar como los niños me llevó toda la vida. (Pablo Picasso)

Un pintor es un hombre que pinta lo que vende. Un artista, en cambio, es un hombre que vende lo que pinta. (Pablo Picasso)

Solamente cuando ya no sabe lo que está haciendo, un pintor hace cosas buenas. (Edgar Degas)

Las pinturas tienen una vida propia que nace del alma del pintor. (Vincent Van Gogh)

Un cuadro toma vida ante la presencia de un espectador sensible, en cuya conciencia se desarrolla y crece. (Mark Rothko)

Kiki Smith o la inspiració en la dona artista

2009-10-02T08:21:00.002+02:00

En primer lloc, Albert Mercadé, crític d'art de Bonart, ens fa una visita guiada per l'exposició "Her Memory" que va tenir lloc fa mesos a Barcelona. La seva explicació és realment interessant i amena (tant debó ens pogués acompanyar a les nostres visites a exposicions!). I si us quedeu amb més ganes d'aprofundir en aquesta artista, us recomano que continueu llegint l'article de més abaix.

Sies.tv

No es nada habitual que un museo organice una visita guiada a la exposición de un artista a sus espaldas, pero esto es lo que ocurrió ayer en la Fundació Miró. Terminada la rueda de prensa sobre la instalación Her memory (Su memoria), Kiki Smith, neoyorquina nacida en Núremberg (Alemania) en 1954, se esfumó.A petición de los presentes, la jefa de programación de la Miró, Martina Millà, se arriesgó a hacer un recorrido comentado por las obras, controlando los pasillos con el rabillo del ojo para que la artista no la descubriera. "Ella pretende que todo quede muy abierto, que queden cosas sin explicar, como en la vida", susurraba Millà. Por eso no hay ningún panel informativo en todo el espacio expositivo.Minutos antes, Kiki Smith se había definido como una "persona que va por la vida con la antena puesta, cogiendo cosas que me llegan de aquí y de allá y que, al final, hace lo que le sale en el momento", como si su método creativo fuera una particular adaptación de la teoría del caos. Poco más pudo concretar la artista, agotada después de haber terminado el montaje a altas horas de la noche.

LA INSPIRACIÓN

Los dibujos, grabados, esculturas, objetos y fotografías de mujeres que componen la instalación Her Memory --ella no lo llama exposición, porque considera que es una sola obra compuesta por varios elementos, como si se tratara de letras del alfabeto que se combinan para dar nuevos significados-- surgen de dos fuentes de inspiración: un precioso tapiz de seda bordado por una adolescente, Prudence Punderson, durante la guerra de Secesión americana, y una exposición retrospectiva de la artista Elizabeth Murray (Chicago, 1940-2007), con la que Smith guarda cierto parecido físico.Ambas cosas la llevaron a dar vueltas en torno al ciclo de la vida, la creación y la muerte, un tema que la obsesiona desde que descubrió la iconografía religiosa de la Edad Media y las múltiples representaciones pictóricas de La anunciación. En la Fundació Miró, Kiki Smith ha colocado a Elizabeth Murray en el papel de la virgen María. La artista recibe la inspiración divina y dará luz a una obra de arte. La mujer creadora que envejece y pasa el testigo a otra mujer joven, la experiencia femenina que se comunica de una generación a otra, es el tema central de la instalación.

PAPEL MACHÉ Y PURPURINA

Aunque se considera heredera del movimiento feminista y de artistas como Nancy Spero --"¡estaríamos locos si no deseáramos un mundo mejor para las mujeres!", exclama--, ella asegura que su arte no es ideológico. Sin embargo, cualquiera que entre en el universo de Her memory identifica inmediatamente que es un trabajo hecho por una mujer. No solo por la omnipresencia de figuras femeninas, sino por el uso de materiales considerados humildes (papel maché, purpurina), por la disposición a lo largo de las salas de sillas y ramos de flores que dan sensación de hogar, y por un aire de cuento de hadas que impregna todo el espacio.Las representaciones traumáticas y brutales del cuerpo humano convirtieron a Kiki Smith en una artista de referencia en los años 80, aunque esta es la primera vez que su obra se expone en Cataluña --"sintomático, ¿verdad?", apunta Martina Millà--. Desde entonces, su obra ha evolucionado hacia una estética más romántica y pacífica, manteniendo la mirada enfocada en el cuerpo femenino y en los ciclos vitales de la naturaleza.Sus dibujos no tienen las proporciones perfectas, el soporte es un papel arrugado, las obras están pegadas a la pared con un par de chinchetas y si, algún cuadro queda torcido, no importa. Además, cuenta, "no tengo mucha imaginación ni una vida fantástica". A pesar de sus esfuerzos por huir de los cánones artísticos y de la perfección, la obra de Kiki Smith se encuentra en los principales museos de arte contemporáneo del mundo.

Article de GEMMA TRAMULLAS - BARCELONA, extret d'aquí.

Esteban Vicente - Expressionista abstracte espanyol

2009-10-01T01:36:00.000+02:00

Imatge, d'aquí.

"... mis pinturas son paisajes interiores. No registran lo que veo, por supuesto, sino lo que me hace sentir lo que veo. Me interesa ver, porque si no miras a tu alrededor te pierdes..." Esteban Vicente.

Imatge d'aquí.

«Mirades diverses, realitats múltiples»

2009-09-30T01:34:00.000+02:00

Fa temps vaig llegir que un projecte sobre una família homoparental havia guanyat la II Biennal de Fotografia de Girona, impulsada per l'INSPAI de la Diputació de Girona. Era una notícia del 29 de gener de 2009.

Les imatges del projecte «Mirades diverses, realitats múltiples» em van agradar molt, l'enfocament i la perspectiva em van resultar molt atractives i des de llavors estic a l'espera de conèixer més d'aquests dos fotògrafs, Mattia Insolera i Catalina Gayà.

Més informació sobre la notícia, aquí.

Associació DOTART

2009-09-30T01:25:00.000+02:00

Dot Art és una associació artística i cultural fundada el 2009 a Vidreres per joves amb inquietuds artístiques que pretén donar suport a futurs creadors i artistes per tal d’oferir serveis que s’adaptin a les necessitats artístiques del món contemporani.

Dot Art produeix, mostra i difòn creacions artístiques d’art contemporani, així com ofereix formació específica a través d’activitats artístiques, culturals i lúdiques.

+info: http://dotart.wordpress.com/

Bona sort! I qui sap, potser algun dia ens trobem!

Feria DEARTE Contemporáneo – 2010

2009-09-27T01:26:00.000+02:00

S'ha convocat la IX edició de la Fira DEARTE, que reuneix galeries, entitats i artistes espanyols, coincidint amb ARCO i ArtMadrid, per segon any consecutiu, amb la finalitat de contribuir a destacar la setmana "Madrid Capital del Arte".

Més de 150 creadors van estar representats amb les seves obres a l'anterior edició de DEARTE, des de joves valors del panorama espanyol actual, com artistes consagrats i noms que formen part de la història de l'art i de les vanguàrdies del nostre país. I jo he provat sort per si puc entrar!!!

Us deixo amb unes imatges de la fira que es va celebrar aquest any:

+ info, http://www.dearte.info/

Las galerías aúnan esfuerzos para darse a conocer

2009-09-26T00:35:00.000+02:00

Con el programa ‘Tardor de l’Art’ quieren acercarse al público y mostrar su lado lúdico

Históricamente las galerías de arte han sido espacios aparentemente cerrados y con un público fiel, pero minoritario. Ahora, ya sea por la crisis, que en este sector aprieta, o porque, como afirman los galeristas, su vocación es trasmitir sus conocimientos al mayor número de gente, han decidido romper con este estereotipo de inaccesibilidad.

Para ello, las cuatro asociaciones de galeristas de Catalunya –el Gremi de Galeries d’Art de Catalunya (GGAC), (art) Catalunya, Art Barcelona (Abe) y la Associació de Galeristes Independents d’Art de Catalunya (GIC)– han decidido unir esfuerzos e impulsar conjuntamente Tardor de l’Art (www. tardorart.cat), una iniciativa que, a partir de exposiciones y propuestas culturales –gratuitas y para todos los públicos– tiene como objetivo acercar el arte a los ciudadanos, mostrar su lado más lúdico y, sobre todo, integrar las visitas a las galerías en el ocio familiar.

Tardor de l’Art girará alrededor de cuatro eventos: Cicle d’exposicions temàtiques, Eros+ismes: l’erostisme i la subjectivitat creativa, Els dissabtes d’Art Barcelona y Fora de joc. Y según sus organizadores, «es una programación plural y atractiva, que abarca todas las modalidades del arte». El proyecto se pondrá en marcha mañana con la apertura de Realismes: Classicisme i Modernitat, centrada en la pintura figurativa, y Eros+ismes: l’erotisme i la subjectivitat creativa, con la iconografía erótica como tema.

OCIO FAMILIAR / La primera es una de las cinco muestras programadas en el ciclo de exposiciones temáticas. A esta le seguirán otra dedicada a las vanguardias, otra centrada en la abstracción y dos basadas en la técnica (dibujo y escultura). Cada una de las muestras tendrá el espacio expositivo repartido entre las diversas galerías participantes. Lo mismo pasará con Fora de joc, un recorrido por la iconografía del fútbol, que se inaugurará en noviembre. Els dissabtes d’Art Barcelona (octubre y noviembre) será la propuesta más familiar de todas: incluirá visitas, talleres y conciertos. Tardor de l’Art tiene el apoyo del Institut Català d’Indústries Culturals, que ha invertido 60.000 euros, cuenta con la participación de 99 galerías y durará hasta diciembre.

NATÀLIA FARRÉ
BARCELONA

Elperiodico.com

Imatges, d'aquí.

La revolució de la pintura. 10 promeses

2009-09-21T01:37:00.000+02:00

Philipp Fröhlich

En la primera década del siglo XXI asistimos a uno de los momentos más interesantes y originales de la historia de la pintura moderna y contemporánea, gracias a la calidad del trabajo de una nueva generación de pintores jóvenes internacionales, menores de cincuenta años, entre los que destacan Philipp Fröhlich, John Currin, Guillermo Kuitca, Cecily Brown, Matthias Weischer, Daniel Richter, Julie Mehretu, Neo Rauch, Dirk Skreber y Peter Doig.

John Currin

Peter Doig

En los últimos años la pintura ha vuelto a renacer con una inesperada originalidad y calidad a través del trabajo de una nueva generación de jóvenes artistas internacionales nacidos a partir de los sesenta. En estos comienzos de siglo, después de una década de los noventa lastrada por la crisis de la representación y un revisionismo excesivo de lo conceptual, muchos artistas han descubierto nuevos caminos creativos ajenos a un estilo concreto y común, regresando al trabajo del proceso manual y personal en el taller.

Guillermo Kuitca

Cecily Brown

La situación actual recuerda a la de los últimos setenta, cuando surgió en muchos lugares todo un conjunto de artistas reaccionarios al reduccionismo del arte por el arte planteado por post minimalistas y conceptuales. La pendiente de la depuración a la que se dirigía la secuenciación de vanguardias tuvo una inesperada reacción de libertad con aquellos pintores eclécticos y manieristas de los ochenta. Sin embargo, los nuevos pintores actuales de comienzos del siglo XXI no trabajan con estilos eclécticos o tendencias manieristas comunes, sino con técnicas y recursos heredados del pasado pero individualizados en la interpretación de un mundo personal y original, abandonado hace tiempo por la dictadura de los estilos. Los pintores actuales se alejan además de ese “arte contra el arte” que impulsaron neoconceptuales o apropiacionistas como medida de solución ante la crisis de la representación que padeció el arte en los noventa. Kristian Leahy reflexiona sobre este resurgir de la pintura destacando el trabajo de una decena de pintores nacidos a partir de 1959, que trabajan con renovados lenguajes pictóricos. + info, aquí.

Matthias Weischer

Julie Mehretu

Art Contemporani a la vella Barcelona industrial

2009-09-21T00:34:00.000+02:00

Sies.tv

Can Framis és l'espectacular nou centre de la Fundació Vila Casas.

Els prop de quatre mil metres quadrats de Can Framis, una antiga fàbrica de llana integrada per dues naus d'arquitectura industrial vuitcentista i una tercera de nova planta, acullen el fons pictòric de la Fundació Vila Casas. Can Framis és al canviant districte 22@ de Barcelona i conté obres de Tàpies, Enric Pladevall, Jaume Plensa i Xevi Vilaró, entre molts d'altres. Parlem amb Natàlia Chocarro, responsable de premsa de la Fundació.

El misteri de ser artista

2009-09-20T01:21:00.000+02:00

Fa molt de temps que el misteri del funcionament del cervell m'ha fascinat i aquest estudi, que us comentaré tot seguit, és un granet de sorra que s'afegeix per resoldre aquest misteri.

"El doctor Secundí López-Pousa, neuròleg i pintor, s’ha interessat durant tota la seva trajectòria a conèixer per què algunes persones són capaces de desenvolupar activitats artístiques amb més facilitat que d’altres, per què algunes han fet de l’art la seva formade vida, i per què canvis en el cervell causats per les demències estan relacionats amb canvis en l’obra o les aptituds pictòriques d’alguns pacients."

Segons aquest article, la clau és l'hemisferi dret en el cas dels artistes dretans (hem de pensar que és al revés en els esquerrans). "«La pregunta que m’he fet moltes vegades és si la capacitat artística, de la mateixa manera que passa amb el llenguatge, pot estar vinculada a determinades estructures cerebrals», explica el doctor, que afegeix que tot apunta que, efectivament, és així."

I l'article detalla "«correspon a l’hemisferi dret la capacitat artística,encara que aquesta qualitat pugui ser controlada o inhibida per l’hemisferi esquerre». Una dualitat, diu el doctor, que concorda amb la seva experiència personal: «Quan he dedicat temps a la pintura, les percepcions sensorials s’han multiplicat, els colors són més rellevants, la generació d’idees augmenta i els canvis emocionals són més freqüents i davant meu m’obren un món poderosament més atractiu. En el dia a dia, com a neuròleg, el treball és ordenat, meticulós, analític, lineal, racional, lògic i objectiu. Sens dubte el meu hemisferi esquerre condiciona l’activitat de l’hemisferi dret»".

I és cert, jo també he pogut comprovar aquesta mateixa forma de racionalitzar o d'incrementar la meva creativitat, és possible que per aquest motiu necessiti continuar treballant en la meva feina diària, en què faig treballar més el meu lòbul esquerra, que em dóna ordre, capacitat de planificació, però alhora deixo que també treballi el lòbul dret, qui em proporciona idees creatives i innovadores per resoldre problemes. I a casa puc deixar via lliure al meu lòbul dret, que havent estat tot el dia reprimit per l'esquerra, esclata en idees, somnis i colors...

L'article planteja si es pot nèixer per ser artista i especifica que "és relatiu, més aviat, és déu a una combinació de l’herència genètica i, sobretot, de l’educació durant els primers anys de la vida, de manera que aquells a qui es dóna la possibilitat de ser més creatius solen tenir més desenvolupat l’hemisferi dret." Gràcies papis!!!!

Si voleu llegir més, trobareu l'article aquí.

José Guerrero o la poesia del color - Expressionisme abstracte

2009-09-17T00:24:00.000+02:00

Deia José Guerrero sobre l'ús del color als seus quadres:

"Sólo una pesadilla nocturna, siempre la misma, ennegrece esos años, en la que se ve sumido en negruras asfixiantes, hasta que logra encontrar «como una ventana, un color... que era lo que me terminaba salvando siempre». Esa búsqueda nocturna de una salida a la luz presagia una condición persistente de la vida móvil y desarraigada de un pintor."

Imatge d'aquí.

Mayte Vieta i el silenci explícit

2009-09-13T01:27:00.000+02:00

Aquesta artista nascuda a Blanes (com jo!) és un exemple clar de l’excel•lent art que es fa a Catalunya. Mayte va realitzar la seva formació artística a l’Escola Massana de Barcelona entre els anys 1986 i 1991 i ha guanyat diferents premis i beques.

Des de suggerents fotografies fins a contundents escultures conformen el seu univers íntim i ampli.

+ info: http://www.maytevieta.com/

Indisciplinats

2009-09-06T01:33:00.000+02:00

Aquest dissabte 5 de setembre a les 12 h, s'inaugura a la Sala15 d'Olot l'exposició "Indisciplinats", on podreu trobar una obra de l'artista Francesc Granés, que us recomano.

Més informació: http://www.olot.org/cultura/sala15/

Bill Viola i el diàleg amb un mateix

2009-08-23T01:22:00.000+02:00

A partir d'una contínua indagació sobre els interrogants que planteja la condició humana i la seva relació amb el món, l'artista Bill Viola ha creat una de les obres més personals de l'art contemporani i el seu treball transmet preocupacions constants que conviden a l'espectador a una recerca de la seva vida interior i a repensar les seves relacions amb l'ambient que l'envolta.

Les imatges del millor videoartista del moment es mouen entre l'ambigüitat de l'elevació espiritual i el reflex d'allò real. I és que a finals del anys 90, Bill Viola estava abrumat per totes les imatges transcendents i sense connexió amb allò real, amb el món actual, que l'envoltaven. Inspirat per la literatura mística, s'interessa per quelcom que els místics coneixien com ningú: el contacte amb el propi ésser com a experiència transcendental.

La seva obra és fruit de la seva necessitat de trobar una solució al conflicte existencial de l'home amb el seu entorn, com els seus treballs sobre les imprecisions en paisatges desèrtics, on la seva obra s'orienta cap a una captació sensible de la realitat exterior. Les imatges plasmen l'accentuada identificació de l'artista amb els paisatges desèrtics que passen a conformar per a l'autor la millor representació d'estats mentals interiors. "El paisatge pot existir com a una reflexió sobre les parets internes de la ment o com una projecció d'un estat interior sobre l'exterior. Els espais oberts i planers es presten a un monitoratge més clar del món interior subjectiu. Els espais urbans contemporanis parlen sense parar... removent les suggerències de l'exterior, les veus dels estats interns es tornen més intenses i clares".

A les obres de Bill Viola, l'experiència estètica resulta anestèsica i en comptes de ser un contacte amb la realitat, aquesta queda bloquejada, com si els nostres sentits quedessin sobrestimulats. Hi ha qui critica aquesta forma contemplativa i passiva de veure l'obra d'art: "davant la que l'espectador manté una actitud de veneració distant per una banda i de confiança en fondre's amb ella sense esforç, per una altra, ignorant que la recepció de l'art suposa un procés d'apropiació i, per tant, d'esforç, aprenentatge, competència."

Aquesta forma de mostrar-nos les seves obres produeix una partició d'allò sensible, consistent en fer visible allò que no ho era, en escoltar com a éssers dotats de la paraula a aquells que no eren considerats més que animals sorollosos. Les imatges de Viola estan lligades a una forma de veure que no requereix cap tipus d'esforç de l'espectador per descobrir un tipus de coneixement i, alhora, són l'únic mitjà per fer visible allò invisible.

Absorbit en la tasca conscient de crear imatges per als demés, Viola troba en l'inconscient la via cap a un diàleg amb la interioritat.

+ informació, aquí i aquí. Imatges d'aquí.

Descoberta a FomentARTE: Ana Lorenzo Ribas

2009-08-15T01:29:00.000+02:00

M'agrada la dessolació de les seves imatges urbanes, jo també em sentiria així en aquesta gran ciutat... També ella és una jove promesa! Madrid, 1981

EXPOSICIONES COLECTIVAS:
2008 Pintores becados de Paisaje. Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Madrid.
2008 “Animalística”. Sala de Exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Madrid.
2007 “Animalística”. Zoo de Madrid.
2007 Biblioteca Histórica de Madrid.2007 Sala de exposiciones de la Facultad de Bellas Artes de Madrid.
2007 Exposición “Pintores Pensionados del Palacio de Quintanar”. La Alhóndiga, Segovia.
2003 “Proyecto Zero”. Casa de la Cultura del Ayuntamiento de Parla, Madrid.

+ info, aquí.

FomentARTE

2009-08-08T01:23:00.000+02:00

FomentARTE promociona de forma gratuïta els treballs d'artistes residents a Espanya en col•laboració amb galeries d'art, fundacions i institucions culturals, ajudant-les a desenvolupar la seva carrera i a difondre les seves obres en diferents espais.

+ info: http://www.fomentarte.es/

Descobert a FomentARTE: José Luis Rubio Martín

2009-08-07T01:24:00.000+02:00

M'agrada l'expressió de la seva simplicitat, em deixa un espai per reflexionar a l'hora que m'omple la mirada... I és una jove promesa! Segovia, 1976

EXPOSICIONES INDIVIDUALES:

2007 “Pinturas”. Galería Montón de Trigo Montón de Paja.
2004 “El Silencio de la Memoria”. Galería Montón de Trigo Montón de Paja.
2002 Galería Valle Ortí. Valencia.
2001 “Catabasis”. Galería Montón de Trigo Montón de Paja.
2000 ARTEXPO Jove, Fira d´Art de Barcelona.
1999- 2000 Galería del Rancho. Torrecaballeros, Segovia.

+ info, aquí.

Descobert a FomentARTE: Joaquín Esquer

2009-07-29T01:31:00.000+02:00

D'ell m'agrada la netedat de les obres i l'ús de materials primaris, tot i que pugui semblar que està molt vist.
Madrid, 1966

OBRA PUBLICA:
- Escultura en bronce de “LABRADOR” (2.05 cm). Anquela del Ducado, Guadalajara.
- Escultura en bronce de “LAVANDERA” (1,95 cm). Anquela del Ducado, Guadalajara.
- Escultura en bronce “ESPARTERO” (2,05 cm). Tórtola de Henares, Guadalajara.

+ info, aquí.

Independent Collectors

2009-07-17T01:30:00.000+02:00

Segons la seva web en espanyol:

"La nueva comunidad para coleccionistas de arte contemporáneo.

Independent Collectors es una plataforma internacional para coleccionistas de arte contemporáneo. Aquí se reúnen coleccionistas de todo el mundo que comparten una forma de pensar y desean entrar en contacto con otros coleccionistas para crear una red en la que intercambiar experiencias e información de carácter general."

Però a la versió en anglès, ampliada, trobem una advertència per als artistes:

"Please take note:

Artists_ Independent Collectors is not the place to promote your art. There are other communities designed for that purpose and we encourage you to use them. Your collector’s personality is welcome here, of course and we trust you to know where to draw the line between your collection and promotion."

Ok, ho he pillat!

Tòpics típics

2009-07-17T01:18:00.000+02:00

Ho he trobat al bloc de "Quiero ser... galerista de art e". Per a qui no ho entengui:

Art Modern= Jo podria haver fet això + Sí, però no ho vas fer

Un tòpic que no m'agrada i que algú li ha trobat la seva gràcia! I de debó, ara em fa gràcia!!!!

Descobert a Yuglo: Héctor Barrón

2009-07-10T01:35:00.000+02:00

+ info, aquí.

El artista

2009-06-17T01:16:00.000+02:00

O cómo comprender, riendo, el arte contemporáneo

Tanto a quienes consideran incomprensible el arte contemporáneo como a los expertos en el tema, hay que aconsejarles ver "El artista", película de los argentinos Gastón Duprat y Mariano Cohn, presentada en competición en el Festival de Toulouse.

Recibida con una estruendosa ovación, "El artista", inclasificable, es una auténtica bocanada de aire fresco, una obra que hace reír y meditar al mismo tiempo, oscilando entre la comedia, la sátira, la reflexión sobre el arte y el acto creativo. Es también un verdadero logro plástico, puesto que cada uno de sus planos es concebido como un cuadro.

Jorge Ramírez (Sergio Pangaro) es enfermero en un hospital geriátrico, donde se apropia de los dibujos hechos por uno de sus pacientes, Romano (interpretado por el escritor Alberto Laiseco), un anciano encerrado en sí mismo que sólo habla cuando tiene ganas de fumar. Jorge Ramírez presenta como suyos los dibujos del viejo a una galería de arte y se convierte rápidamente en artista de éxito.

El espectador no ve nunca las obras, es la cámara la que contempla desde ellas a quienes las miran. Sólo ve los gestos de la creación del viejo Romano, tan fuertes que permiten adivinarlas.

Alrededor de Jorge, que va ganando fama como artista, la trama va haciendo descubrir todo el mundillo del arte, un medio a menudo esnob y en el que frecuentemente el discurso intelectual pleno de referencias eruditas oculta la ausencia de ideas.

Artistas, curadores, galeristas, críticos, historiadores del arte: ninguno de los personajes, pintados de manera deliciosa, escapa a una ironía sutil que evita empero la farsa.

El guionista de la película es un verdadero experto en la materia, el curador Andrés Duprat, que pidió a su hermano Gastón y a Mariano Cohn que la dirigieran. Los dos cineastas, documentalistas y autores de vídeos, realizan con éste su primer largometraje de ficción.

"Quisimos una película sobre el arte y la creación, pero también sobre el epifenómeno artístico, el mundo social del arte contemporáneo, ese mundo que involucra a todos los agentes y sobre todo al circuito de validación del arte", declaró Andrés Duprat, que presentó la película en Toulouse.

Un mundo que Andrés Duprat dice "amar y detestar al mismo tiempo". Dos sentimientos reflejados en la película, en la que los personajes son pintados sin concesiones pero con una cierta ternura. ___________________________________________

Text extret d'aquí. No us perdeu el trailer de la película.

Cobrar per gaudir!

2009-04-29T17:23:00.000+02:00

Cuenta una leyenda oriental que un rico comerciante encargó a un pintor un cuadro de un gallo, su mascota favorita. Fueron pasando los meses sin tener noticias del encargo. Finalmente, se dirigió al taller, y cuál fue su sorpresa al ver que ni siquiera había comenzado el cuadro. Pero el pintor le hizo sentarse, cogió el lienzo y en pocos minutos lo completó brillantemente. Era una obra maestra, sin duda, que emocionó al mecenas. Pero, cuando fue a pagar, le pareció una barbaridad la cifra requerida por una labor "de un cuarto de hora". Entonces el pintor le mostró cientos de bocetos de gallos que había ido elaborando durante todo un año, hasta alcanzar la maestría final. El comerciante le dio la razón y pagó.Hoy en día, le habría contestado: "Sí, hombre, encima de que te diviertes, ¿además querrás cobrar?".

Este es el pan de cada día de muchos artistas. Se presupone que su recompensa es el propio encargo. Que tener la posibilidad de exponer su obra basta, que ver producido su diseño es ya un honor. Son oportunidades para ir haciendo currículo. Pero, y mientras, ¿de qué viven? Hay que entender que la mayoría de artistas destinan gran parte de su vida a la formación, al tanteo, a la investigación, sin poder obtener rendimiento inmediato. Apenas unos cuantos genios han visto compensado su talento económicamente. Sin embargo, entendemos que en otras profesiones no creativas se cobre directamente por la labor, sean banqueros, mé- dicos o futbolistas. Respecto del gremio de la farándula y la cultura, aceptamos que merezcan premios, becas, exposiciones, homenajes, libros... ¡pero que encima quieran cobrar por disfrutar, vaya morro!

Article de JULI CAPELLA, a El Periódico.

Juan Muñoz - O de com entrar a l'obra d'art

2009-04-24T14:25:00.000+02:00

Tras pasar por la Tate Modern de Londres y por el Guggenheim de Bilbao, Juan Muñoz regresa a su ciudad natal, Madrid, en forma de retrospectiva en el Centro de Arte Reina Sofía. Se trata de la exposición más completa celebrada sobre el artista —fallecido de forma prematura en 2001— hasta la fecha. Esculturas, dibujos, instalaciones, obras radiofónicas, escritos, 'ingenios'... se reparten por diferentes espacios del museo, favoreciendo la teatralidad de la muestra, y llenando de magia e imágenes inquietantes los rincones del Reina Sofía.

«Me gustaría que el espectador pudiera entrar en la obra de arte como un actor entra en su propia escena... Me gustaría que quien acude a una exposición, ya sea en un museo o en una galería, se comportara como lo haría un actor, un actor inmóvil», afirmaba Juan Muñoz. Por eso sus obras invitan al espectador a sumergirse en ellas, casi a convertirse en un elemento más, como sucede en esta 'Pieza de conversación' (1994), por la que el espectador se ve obligado a pasar para poder recorrer la exposición completa.

«Juan Muñoz logra crear un espacio psicológico, que implica al espectador y le obliga a reconstruirlo», explica el director del Reina Sofía, Manuel Borja-Villel. «El escultor ofrece un fragmento, que a su vez lleva a otro fragmento», añade.'Many times' (Muchas veces) (1999) es una de sus obras más conocidas y también más ambiciosas; de hecho, ocupa una sala completa. Está formada por cien figuras, cuyos rostros son similares: todos tienen rasgos asiáticos y sonríen con beatitud. Sólo sus posturas los distinguen y llenan de movimiento. Pasear entre ellos provoca sensaciones extrañas: el espectador invade el espacio de las figuras, de forma hasta grosera, y ellas permanecen impertérritas, sus ojos nunca miran al visitante.
Los espejos aparecen con frecuencia en la obra de Juan Muñoz, que veía en ellos una forma de expresar alteridad: el espectador se refleja en la obra, pasa a formar parte de ella, sin que la figura que la protagoniza se inmute o salga de su ensimismamiento. Llega incluso a resultar frustrante. Imagen: 'Una figura', 2000.Premio Nacional de Artes Plásticas en 2000, un año antes de su muerte en Ibiza, Juan Muñoz se sentía especialmente atraído por el misterio, las ilusiones y los relatos que pusieran en un brete psicológico al espectador. Es el caso de los 'Dibujos-gabardina', pintados con tiza blanca sobre tela de gabardina negra. Imagen: 'Ventrílocuo mirando un doble interior', 1988-2001.
Buena parte de las esculturas de Muñoz se apoyan sobre una pesada base esférica, mietnras que su parte superior es humana. Son de un tamaño inferior al ser humano medio y no muestran expresión en el rostro, que la mayoría de las veces está desdibujado. La posición de la figura es suficiente para entender lo que hace y transmitir una sensación de intimidad, de estar compartiendo con ella un secreto. Detalle de 'Figura que escucha'.

*Fragment extret de l'article d'Elena Mengual
http://www.elmundo.es/albumes/2009/04/21/exposicion_juan_munoz_reina_sofia/index.html

Ànima, nou programa a TVC

2009-03-13T16:11:00.000+01:00

Avui estrenen a les 21.45h al Canal33 la nova proposta cultural i jove dels vespres. Es tracta d'Ànima, que es va vendre com la continuació de Silenci, tot i que sembla una aposta més ferma, i esperem que tant innovadora i atrevida... Estarem alerta a les novetats.!!!! Podeu trobar més informació aquí.

Bona sort a l'equip!!!

Per si us el vau perdre, aquí el teniu...

Sobre l’art i la seva interpretació

2009-02-11T17:07:00.000+01:00

Des de fa temps, el fet que moltes persones cultes i amb projecció mediàtica critiquin i rebutgin l’art contemporani gratuïtament, m’ha fet reflexionar sobre com podem fer que les persones “normals” entenguin l’art. Bé, més humilment, m’agradaria compartir la forma com jo miro una obra d’art i què sento, sense tenir cap formació en història de l’art ni en belles arts... Comencem!

En un article, Remedios Ávila (2007) feia una reflexió interessant: “Què ens ensenya l’art sobre nosaltres mateixos?, què ens descobreix l’art?, quin és el secret de la seva mirada?, què ens fa veure l’art i quin és el seu valor real?”. I després de llegir això ja no el vaig poder deixar… ¿Per què ens fa por plantar-nos davant d’un quadre i valorar-lo segons si ens agrada o no ens agrada? No fem el mateix amb la música? Potser no entenem d’instruments i no sabem si la interpretació dels músics està sent impecable, només sabem que ens agrada, que la tornaríem a escoltar, i ja tenim feta la nostra valoració. I quan ens enamorem? Qui analitza aquesta sensació quan està enamorat? Simplement ens agrada aquella persona, potser és química, o una connexió invisible que fa que aquella persona ens atregui inexplicablement... Doncs igual ens passa amb una obra d’art!

De fet, segons Hanna Segal (1955) el plaer estètic que produeix l’obra d’art vindria definit pel grau d’identificació que el subjecte té amb ella. Això ens porta a la catalogació immediata entre bonic o lleig en la contemplació de qualsevol obra, i Segal definia, de la següent forma:

- bonic és allò que produeix en l’espectador sensacions harmòniques, de benestar, d’equilibri, donant-li la possibilitat de reviure inconscientment sensacions de reparació i permetent-lo identificar-se amb l’obra;
- lleig és allò que promou conflictes no resolts, el que omple l’individu de tensió, mobilitza els odis i reviu els sentiments perseguidors.

És a dir, que la nostra interpretació davant d’una obra d’art no és només intel·lectual o estètic, sinó també afectiva i inconscient.

Remedios Ávila (2007) continua explicant que l’art consisteix en una minuciosa observació de nosaltres mateixos i de les nostres impressions. També Marcel Proust (1927) adverteix que l’art posa de manifest un “saber preexistent” i llença llum sobre els nostres abismes i les nostres profunditats: “Només ve de nosaltres mateixos allò que nosaltres traiem de la foscor que està en nosaltres i que els demés no coneixen. Jo havia arribat a la conclusió de que no som, de cap manera, lliures davant l’obra d’art, no la fem a la nostra manera, sinó que preexisteix en nosaltres”. De la mateixa manera, segons Erdelyi (1987), l’art utilitza diferents nivells de significat, ja que la realitat és diferent segons qui la contempli, i el mateix artista ignora les seves pròpies motivacions internes.

I sobre l’ús de l’abstracció per expressar la meva realitat... Utilitzaré una afirmació de Remedios Ávila (2007): “el llenguatge revela el més tràgic de la nostra condició: és insuficient quan es tracta de referir-se al més profund, al més íntim de nosaltres mateixos”, i és que, quina forma tenen els nostres sentiments? De quin color són els nostres secrets més profunds?

Cèlia Izquierdo, 2009
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Bibliografia:

Ávila, R. (2007). La mirada del arte y su valor de verdad. Aproximación a la relación entre filosofía y literatura. Thémata. Revista de Filosofía. Núm. 39, 409-414

Erdelyi, M.H. (1987). Psicoanálisis - La psicología cognitiva de Freud. B. Aires: Labor.

Proust, M. (1927). El tiempo recobrado. En busca del tiempo perdido. Trad. C. Berges, Alianza, Madrid, 1993.

Segal, H. (1955). Aproximación psicoanalítica a la estética. En M. Klein y otros. Nuevas direcciones en psicoanàlisis (vol. III). B. Aires: Paidós-Hormé (1975).